Notas sobre el nuevo Grado de Historia del Arte en la Complutense

Mesa redonda sobre el nuevo grado de Historia del Arte

El pasado jueves 14 de mayo tuvo lugar en el salón de actos de la Facultad de Geografía e Historia de la UCM una interesante mesa redonda sobre “Bolonia y el grado de Historia del Arte”, en la que se debatieron diversas cuestiones que nos atañen sobre este nuevo plan de estudios que comenzará el próximo curso. La organización del evento corrió a cargo del equipo de Ars Summum. Asimismo, el acto contó con el inestimable apoyo del Decanato de la Facultad de Geografía e Historia de la UCM, que quiso estar presente en las figuras de la Decana, Mercedes Molina, y el Vicedecano de Estudiantes y Extensión Universitaria, Luis Enrique Otero.

La mesa estaba formada por alumnos y profesores relacionados con el proceso de una manera u otra, bien a través de las asignaturas piloto, o en la elaboración misma del plan de estudios. Entre los ponentes se encontraba nuestra compañera Eva Fernández del Campo (Arte III), Juan Carlos Ruiz Souza (Arte I) y Fernando Checa Cremades (Arte II). También contamos con la presencia de Marta López-Riobóo y Sira Gadea, dos alumnas del Máster de Estudios Avanzados en Museos y Patrimonio Histórico y Artístico, primer posgrado de historia del arte adaptado a Bolonia que comenzó su andadura en 2007. Todo ello moderado por Manuel Parada y Montserrat Ordorica, componentes de Ars Sumnum.

La primera intervención corrió a cargo de la Decana, que con su presencia quería remarcar su compromiso con el proceso de adaptación a los planes de Bolonia tras nueve años de intenso trabajo. No sólo se encargó de hacer memoria de los acontecimientos clave del proceso, si no que también hizo mención de las cuestiones fundamentales del mismo, para transmitir confianza a los presentes.
Durante la intervención de los diferentes ponentes se respiró un aire de optimismo por los fundamentos teóricos que presenta Bolonia. Las diferencias se marcaron por el mayor o menor grado de aceptación de la forma en la que se iba a poner en marcha. De este modo, la mayor parte de intervenciones se dirigieron a explicar la configuración del plan de estudios y poner de manifiesto los problemas que pueden surgir en su aplicación.

Este nuevo plan de estudios introduce notables mejoras, evitando reiteraciones y lagunas, e intentando dar cabida a todas las líneas de investigación. Su objetivo es garantizar una formación más completa que capacite al alumno, no sólo como investigador, sino también para el resto del panorama laboral. Permitirá la homologación de los estudios europeos, facilitando la movilidad de alumnado y el profesorado. Todo ello sin perder rasgos de identidad, como la distribución del título de grado en cuatro cursos académicos, de los cuales el último se configurará a través de diferentes itinerarios como en dedicado a la formación en museos y patrimonio. La planificación docente de estos cursos aún no se ha configurado al cien por cien, pero sí está muy avanzada.

El profesor Checa Cremades concretó aquellos aspectos técnicos que surgían tanto en la mesa como entre el público, poniendo especial interés en recalcar que se está adoptando la forma de adaptación más razonable, y que requerirá un acto de generosidad por parte de todos para lograr una verdadera transversalidad.

Si bien la profesora Fernández del Campo manifestó que estaba a favor del plan de Bolonia, presentó algunos reparos con respecto a la forma como se está llevando a cabo la ordenación docente. Se preguntó por qué, tras cinco años de impartir asignaturas piloto, no se habían tenido en cuenta las numerosas encuestas que había realizado. Teme que el límite de 25 alumnos por clase práctica no vaya ser posible, ya que habría que añadirle los alumnos derivados de acuerdos interuniversitarios (Erasmus, Séneca, Universidades Americanas, etc.). Propone que no se descarte elevar la nota de corte o que se dote de dinero suficiente a la facultad para aumentar espacios y contratar docentes. Además, destaca que una vez más se dejan fuera del plan realidades artísticas tales como el arte oriental, el americano, el africano y el popular, entre otros.

A través de una proyección, el profesor Ruiz Souza mostró la configuración del plan de estudios hasta la fecha, subrayando la oferta de optativas para el cuarto curso. Destacó por su marcado optimismo centrado en el enorme potencial, tanto del plan como de los recursos materiales (del centro y su entorno: Eje Complutense), como de los docentes, en plena renovación generacional. Asimismo, recalcó que se conservará un curso completo de demora en horario de tarde para facilitar la terminación de los estudios en el plan a extinguir.

Como muestra de la experiencia en esta nueva metodología, la alumna Marta López-Riobóo destacó cómo incrementó su rendimiento y aprendizaje, tanto en la licenciatura como en el nuevo Máster, con respecto a asignaturas de corte antiguo. A lo que añadió Sira Gadea que esto fue posible gracias al reducido número de estudiantes. También quiso destacar la dificultad que se encontraba el alumnado para compatibilizar las asignaturas piloto con el resto de asignaturas durante la carrera; y se recordó que se hace muy difícil para el estudiante soportar la carga de trabajo exigido por la nueva metodología. En su experiencia en el Máster, donde todas las asignaturas estaban adaptadas, el problema era menor gracias a la cohesión entre alumnos y al número reducido de los mismos (21 como máximo). Ambas alumnas concluyeron que la actitud del alumno tendrá que cambiar radicalmente, pues éste tendrá que invertir mayor número de horas diarias en sus estudios de grado para poder superarlos con éxito.

El problema de la densidad de estudiantes por aula fue una de las principales preocupaciones que despertó el interés general. Todos los participantes coincidieron en que es un aspecto fundamental para el rendimiento óptimo del alumno y el buen funcionamiento de la nueva metodología. Por parte del Decanato se reafirmó el compromiso de no reducir la oferta de plazas, lo que es una solución a la enorme demanda de nuestros estudios, pero entra en conflicto con el ideal de grupos reducidos.

Se ha optado por configurar las asignaturas en clases teóricas magistrales (75 alumnos), que se dividirán en tres seminarios de carácter práctico (20 a 25 alumnos). Para el profesorado dichos créditos tendrán igual valor, por lo que no será necesario que un mismo profesor imparta las clases teóricas y prácticas de una misma asignatura.

En general el desarrollo de este nuevo plan de estudios requerirá mayor esfuerzo por parte de alumnos, profesores y administración. Para los alumnos, porque el nuevo crédito europeo se encarga de medir su trabajo tanto en el aula y en tutorías, como el personal fuera de ellas, cuyo cálculo se traduce a unas 8 horas diarias (como una jornada laboral). Para los profesores, porque se requiere un mayor seguimiento del alumno. Todo ello con en necesario esfuerzo económico de la administración que permita la financiación adecuada de la universidad, que facilitaría la movilidad no sólo para estudiantes, sino que también para profesores.

En conclusión, esta jornada permitió analizar el estado de la cuestión de la configuración del nuevo plan de estudios, dando voz a los diferentes implicados y opiniones en un proceso aún abierto, esperando que fuera enriquecedor para todos los asistentes.

Este encuentro forma parte integrante del plan de acción del primer número de la revista Ars Summum – Revista de la Historia del Arte, cuya primera edición estará dedicada, principalmente, a la docencia de la Historia del Arte, donde se incluirá un resumen exhaustivo de dicho encuentro.

Whose Muse?

Con el título de Whose Muse?. Art Museums and the Public Trust y con James Cuno -director del Art Institute de Chicago- como editor, se recogen una serie de ensayos que reflexionan sobre los fundamentos de los museos de arte y su papel en la cultura democrática, bajo la premisa de que el museo tiene como principal finalidad facilitar el encuentro entre el visitante y la obra de arte. Junto a Cuno colaboran en este libro algunos de los directores de los museos más importantes del ámbito anglosajón: Philippe de Montebello, Glenn D. Lowry, Neil McGregor, John Walsh y James N. Wood.  Los ensayos son resultado de unos debates que celebraron estos mismos directores en el curso de un encuentro organizado por el “Harvard Program for Art Museums Directors” durante los años 2000 y 2001.

Lo interesante de este libro es que en él se reacciona frente al concepto de museo entendido como espacio de entretenimiento y ocio, y su evolución –o deriva- hacia una organización lucrativa (for profit). Los ensayos reivindican el museo (de arte) como institución de y para los ciudadanos, producto de esa ejemplar conciencia cívica y democrática tan interiorizada en la sociedad estadounidense. De ahí el subtítulo “public trust”, que a lo largo del ensayo se va interpretando y deshilvanando. Public trust, que tiene muchas interpretaciones, viene a significar la confianza pública depositada en los museos para preservar y facilitar el encuentro con las obras de arte, entendiendo que el arte forma parte de los valores del ser humano y alimenta su espíritu y su intelecto. Quizá lo más destacable, en su conjunto, sea el énfasis que se pone en la relación entre la obra de arte particular y el individuo, un encuentro espiritual que es la misión que la sociedad encomienda a los museos de arte. En este contexto, “public trust” también se entiende a lo largo del libro como la responsabilidad que el museo tiene frente a los ciudadanos. En definitiva, “public trust” es el contrato que el museo tiene con el público para garantizar la experiencia de admirarse y emocionarse ante la obra de arte (the sense of wonder en el original).

Los ensayos se enfocan hacia las colecciones permanentes -que es lo que define a un museo- y se manifiestan en contra de los discursos y narraciones (es decir, interpretaciones) más propias de las exposiciones temporales –dicen-, donde el objeto es un medio para contar algo, mientras que en las colecciones, el objeto es la finalidad, lo es en sí mismo. Y ensalzan la contemplación detenida, la emoción y “la búsqueda de consuelo en las obras de arte como un derecho básico de la persona”.

Cuando seguimos en muchos casos hablando de la necesidad de la aplicación de la gestión empresarial, del marketing y la comunicación, cuando estamos viendo cómo muchos museos se organizan como una marca internacional, incorporándose activamente a la economía de mercado (incluso como alternativa a la crisis, o buscando nuevos escenarios donde sortear la crisis – como es el caso de Abu Dahbi), da gusto encontrarse con unas reflexiones que ponen el acento en lo que es verdaderamente el fundamento de los museos (de arte): el espectador frente a la obra (de arte).

Teresa Pérez-Jofre

[Whose Muse? Art Museums and the Public Trust. Edited by James Cuno, with essays by James Cuno, Phillippe de Montebello, Glenn D. Lowry, Neil McGregor, John Walsh and James N. Wood. Princeton University Press, Princeton and Oxford, Harvard University Art Museums, Cambridge Massachussets, 2004 (primera ed.) 2006 (cuarta reimpresión)]

Museos e Internet

Teresa Pérez-Jofre

Internet es un medio de comunicación global, multimedia y multidireccional. Global, porque no tiene barreras geográficas, aunque lamentablemente sí tiene barreras tecnológicas ligadas al desarrollo económico de las diversas regiones del mundo. Multimedia, porque puede alojar tanto texto como imágenes fijas o en movimiento, como sonido. Multidireccional, porque permite la participación y el diálogo: todos podemos ser emisores y receptores de información y sobre todo participar e intervenir en un entorno de grupo. Y tal vez sea éste el gran reto en el que estamos actualmente: la capacidad de ofrecer recursos para que el usuario participe activamente, convirtiendo el espacio web en un foro virtual. El ejemplo más desarrollado son las comunidades virtuales, como “Virtual Second Life”, un espacio en el que un persona accede a través de un avatar que se crea de sí mismo y que se relaciona, trabaja, compra y vende, gana y pierde dinero frente a otros avatares: en resumen, vive en un mundo virtual. Y tal es el éxito de este espacio, que muchas empresas, políticos o bancos están presentes en Virtual Second Life con su “otro yo” virtual, en una clara acción de marketing.

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Un nuevo edificio para una nueva colección. La Colección Carmen Thyssen‐Bornemisza

Teresa Pérez-Jofre

¿Qué mueve a un museo a ampliar sus espacios? El gran acontecimiento museístico al que estamos asistiendo en Madrid como es la ampliación de los tres principales museos de la ciudad, nos provoca esta reflexión. Los tres con una presencia constante y protagonista en la actualidad cultural nacional e internacional, flujo de visitantes que se cuentan en millones anuales. Los conceptos modernización, adecuación a la demanda de los visitantes, necesidad de un mayor número de espacios de exposición, mejora de los servicios públicos y de los usos internos, son algunas de las claves que explican estas ampliaciones.

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